Jan Van Eyck: la luz y el simbolismo flamenco

Se cumplen hoy 585 años de la muerte de Jan Van Eyck, pintor flamenco considerado como uno de los mejores pintores del norte de Europa del siglo XV.

Jan Van Eyck ejerció una impresión profunda y duradera entre sus contemporáneos. Fue pintor de la corte de Felipe el Bueno. Artista admirado por su gran maestría, la cual se hizo extensiva a otras facetas de su vida, ya que se le encargaron asuntos de Estado como lo fueron sus misiones diplomáticas en Portugal y España.

Sobre lo que nos interesa, que es Van Eyck como artista, Christiane Stukenbrock y Bárbara Topper dicen: “Su representación pictórica de la realidad ejerció una enorme influencia en el arte europeo. Mostró la figura humana como cuerpo que ocupa un espacio, captó la naturaleza con precisión detallista y se caracterizó por un nuevo realismo de las superficies”.

En sus pinturas la luz adquiere fuerza, se eleva como protagonista y los colores adquieren una fisonomía hasta entonces desconocida. Entre sus innovaciones caben señalar la precisión en los retratos, la representación del desnudo, el ilusionismo espacial y la atención cuidadosa a los contrastes entre luz y sombra. Y en este sentido lo central de Van Eyck y otros flamencos es haber captado las posibilidades luminosas y cromáticas de la pintura al óleo. Tradicionales motivos del arte cristiano adquieren en sus pinturas fuerza penetrante cuando todo parecía trillado. Hay en ellas un desarrollo del simbolismo y una adquisición de nuevos y complejos niveles de significación.

Analicemos algunas de sus obras:

Políptico del Cordero Místico (Retablo de Gante), óleo sobre tabla, 1425-1432.

24 escenas están representadas en esta obra que Jan Van Eyck realizó con su hermano Hubert. En la zona superior y hacia la izquierda está representado Adán desnudo, el primer hombre en la historia de la humanidad en la perspectiva del génesis bíblico. Esta es la primera vez que en el arte del norte de Europa aparecen Adan y Eva desnudos, ya que, hacia la derecha, y también en la zona superior, aparece de la misma manera representada Eva, la primera mujer. Los detalles de los desnudos aparecen en perspectiva y con luz incidente. Por encima de Adán está representado el sacrificio de Abel por Caín, algo así como el primer crimen en la historia de la humanidad. Junto a Adán y hacia la derecha una representación de un coro de ángeles cantando, que nos habla de la música sacra como relación sublime con Dios. También ángeles músicos se encuentran hacia la izquierda de Eva donde se ve claramente un órgano como instrumento musical, que está siendo tocado por uno de aquellos. Arriba de Eva se repite el motivo de la muerte de Abel por Caín. En la tabla central nos encontramos con Dios Padre en la actitud de bendecir y aludiendo a la Santísima Trinidad con sus tres dedos extendidos; a su izquierda, la Virgen María, leyendo un libro y con la corona de Reina de los Cielos; y a su derecha, San Juan. En la zona inferior y al centro la adoración del cordero, vale decir de Jesús, el cordero de Dios. Se encuentran los bienaventurados del Sermón de la Montaña: los Apóstoles, que son los pobres de espíritu; los mansos, que son los Ángeles y los que hacen de su vida una incesante búsqueda de la verdad, es decir, los Profetas. Asimismo, hallamos a los Patriarcas, que son los misericordiosos; los Santos, por su trabajo en aras de la paz; luego las Santas por su corazón limpio y finalmente los mártires perseguidos por su causa en favor de la justicia. En el centro, el cordero a sacrificar, rodeado de ángeles músicos, con los instrumentos de la Pasión.

La Virgen del canciller Rolin, óleo sobre tabla, 1435.

El canciller Rolin está de rodillas ante una monumental Virgen con su Hijo, sentado en su regazo. Hacia el fondo, un paisaje dado por el Jardín del Paraíso como templo del cielo. Aparecen múltiples significados: el rezo y la devoción en la actitud del canciller; el rojo de la vestidura de la Virgen, que significan la pasión, el dolor y el sacrificio; el Ángel, que corona a la Virgen como Reina de los Cielos y que simboliza la plenitud celestial; el Niño, que se encuentra en la actitud de bendecir; el paisaje, que es un llamado a la búsqueda del paraíso perdido; los arcos de la arquitectura, que simbolizan a la Santísima Trinidad; y el embaldosado, que nos introduce en la dinámica constructiva de la perspectiva.

El Matrimonio Arnolfini, óleo sobre tabla, 1434.

Este óleo es una maestría de la capacidad simbólica en una representación: El primer plano de la pareja con sus manos unidas representa la unión de lo masculino y lo femenino en ese sacramento que es el matrimonio; el perro, a los pies, simboliza la fidelidad del vínculo; la ventana, hacia la izquierda, junto al hombre, representa el espacio público como privativo del varón; la cama con su dosel, a la derecha, no solo simboliza el lecho nupcial, sino que alude también al espacio doméstico, al hogar, la casa, como espacio privativo de la mujer; las naranjas que se encuentran junto a la ventana representan el Paraíso Terrenal de acuerdo a la iconografía cristiana; el pequeño espejo en el que se refleja el matrimonio está rodeado de medallones que simbolizan la Pasión y el espejo mismo es un símbolo de la virginidad de la joven esposa; los zuecos de madera aluden a la sacralidad del momento; finalmente, la imagen de la santa Margarita expresa a las santas salvadoras en los partos.

Fuente consultada

Stukenbrock, Christiane y Topper, Bárbara (2011). 1000 obras maestras de la pintura, h f Ullmann.